中华民族具有悠久的文明历史，使得我们长期存在着某种“恋祖”情结。作为中国的国粹——国画似乎也概莫能外。数千年其艺术似乎没有太大创新，应该是它“没落”最直接的原因。

与此同时，一些大师已经被神化，他们对于艺术的理解已经成了金科玉律，他们的审美观往往成了判断一副作品好坏的坐标，至于他们的作品，不管是早期还是晚期的，都无一例外地成了珍品。这样一来，致使有意对国画进行改良创新者缺乏最起码的勇气。如果谁真的要斗胆这般做，那就意味着他将处于一个极为尴尬的境地：既不能把这种改良后的作品称之为国画，也不能称之为西洋的油画或水彩画。

因此，在国画的构图与线条甚至意境中，我们都有一种大同小异似曾相识的感觉，也正是不断地依样画葫芦重复自己，使得国画失去了它应有的活力。如今有些国画艺术家，把自己没能将国画艺术发扬光大的责任，推究于观众的鉴赏水平与文化素养，这实在是一种偏见。

在同情心超越了艺术价值之时，我们对着国画喊出“拯救”的口号，这是否有点贻笑大方？艺术存在的理由应该是它的价值，而不是它的名称。所谓艺术价值，它的取向应该是直逼我们内心的一种心灵共振，它带给我们的应该是美以及心灵上的慰藉。国画作为一种艺术的载体，向来都是以含蓄隽永与意境深远而著称，追求的是儒家哲学的中庸之美。

记得我们曾几何时做过“拯救”京剧的尝试，比如在京剧中加入电声乐队，加入打击乐，想搞成中西合璧。事实上那种拯救是失败的，因为它缺乏一种深层次的理性思考，这种打着拯救旗帜的改良，如同在中式的房顶上再建立西式的城堡，既不协调，又显得不伦不类，这种拯救，只能是对艺术的一种不负责任的“杂交”。

从这个层面上来说，国画艺术不需要拯救，而是需要在传承的前提下勇于探索和创新突破，要做到这点，就需要我们的国画艺术家不断提高自己的艺术素养，不断地发扬光大、兼收并蓄、推陈出新，少一些无谓的争论，多一些深层次的思考。在国画艺术面前，墨守成规者显得市侩，亦步亦趋者显得无能，传承创新者显得睿智。